GUBI - Diseñadores
LOS DISEÑADORES DE GUBIDinamarca es mundialmente conocida por su largo e impresionante patrimonio de diseño, donde una casa de diseño como GUBI ha conseguido dejar su impronta. Por supuesto, esto no ocurrió fácilmente ni en solitario, ya que desde 1967 han colaborado tanto con diseñadores reconocidos como con talentos emergentes de todo el mundo, lo que ha dado como resultado una cuidada selección de muebles exquisitos y de alta calidad. GUBI fue fundada en 1967 por los padres del actual propietario y director general, Jacob Gubi, con el objetivo de fabricar los muebles de diseño propio de la familia. Hoy, sin embargo, la empresa es reconocida por diseñar, crear y lanzar al mercado una gama de muebles, lámparas y accesorios para el hogar únicos en su género que llaman la atención en todo el mundo. Las piezas de la firma GUBI consiguen evocar emociones y contar historias significativas que hacen que los diferentes diseños parezcan atemporales y entrañables. GUBI reúne iconos del diseño olvidados del pasado con clásicos contemporáneos, creando una colección visionaria que encarna 100 años de historia, vendida en todo el mundo. A lo largo de los años, Jacob Gubi ha conseguido mantener la visión creativa de la empresa a través de numerosas colaboraciones con diseñadores nacionales e internacionales, que juntos han creado y producido una gama de diseños estéticos, funcionales, duraderos y, no menos importante, únicos.
)
Mads Caprani
El diseñador danés de lámparas Mads Caprani comenzó su andadura en el mundo del diseño en Louis Poulsen, donde aprovechó sus conocimientos técnicos como ingeniero eléctrico. En este puesto, colaboró con varios diseñadores destacados y de talento, como Arne Jacobsen, Poul Henningsen y Verner Panton. La interacción con estos visionarios despertó en Caprani el interés por el diseño, lo que marcó el inicio de su gran empresa de lámparas que generó un gran éxito mundial.
En 1967, el padre de Mads Caprani, Micheli Caprani, adquirió la fábrica de lámparas Rotaflex, a la que Mads Caprani se incorporó 10 años más tarde con la clara ambición de dejar su propia huella con sus pantallas plisadas, muy inusuales para su época, pero que rápidamente se convirtieron en las favoritas de sus clientes. En 1979, el propio Caprani se hizo cargo de la empresa de su padre y cambió el nombre a Caprani Light, convirtiendo la pequeña empresa danesa en un gran nombre mundial con sucursales en toda Europa, en Chicago y en Wisconsin, en Estados Unidos. Con este cambio generacional, también cambió su propio enfoque, que pasó de limitarse a las pantallas a diseñar lámparas enteras, inicialmente de madera, antes de explorar otros materiales naturales como el metal y la piedra.
De todas las lámparas de Caprani, es sin duda la lámpara de pie Timberline la que colmó todas sus ambiciones para el diseño de una lámpara y la que afianzó su legado. Timberline es un diseño único y extraordinario con una estética atemporal y clásica que, naturalmente, la convirtió en un éxito de ventas instantáneo y la dio a conocer como la "lámpara Caprani" en todo el mundo. Caprani falleció en 2014 a los 72 años tras hacer realidad su sueño de construir una de las mayores marcas de iluminación del mundo. Pero este no fue el final de su historia. Los diseños de iluminación de Caprani han sido redescubiertos y, aunque su empresa ya no existe, el interés por un diseño de Caprani nunca ha sido mayor. Por lo tanto, es un gran placer para la marca de iluminación de renombre mundial GUBI trabajar con la familia de Mads Caprani para traer de vuelta sus icónicas lámparas, para que sus fans de todo el mundo puedan llevar de nuevo la luz a sus vidas y hogares. También en este contexto, la icónica 'lámpara Caprani' experimenta un renacimiento con el relanzamiento de la lámpara de pie Timberline, disponible en una exquisita combinación de plástico blanco y madera de abedul y roble.
)
Bill Curry
En los años 60 y 70, el diseñador estadounidense Bill Curry consiguió captar el zeitgeist de esas décadas con sus icónicos diseños de lámparas que reflejaban su maravilloso entorno, transformados en ideas sencillas e inteligentes con narrativas visuales claras. Además, la formación multidisciplinar de Curry y su exposición a los últimos avances en electrónica e ingeniería de sistemas aeroespaciales le dieron la experiencia y la confianza necesarias para aventurarse en el diseño industrial y posteriormente lanzar su propia empresa de muebles, Design Line Inc, en 1962.
Curry desarrolló una nueva norma para la iluminación, que incluía una pieza que fusionaba soporte, bombilla y pantalla en una forma orgánica. También se le atribuye el desarrollo de la primera forma de lámpara "total look", que prescinde del concepto tradicional de "base-bombilla" y, en su lugar, explora la bombilla expuesta de forma lúdica e independiente. Es también a partir de este concepto que gira uno de sus diseños más icónicos. Stemlite se caracteriza por su esbelto marco y su gran pantalla de cristal opalino, que crean un aspecto armonioso, atemporal y clásico que durará generaciones. La serie se desarrolló con varios modelos en diferentes colores y materiales, todos ellos caracterizados por la sencillez de su combinación. Este "total look" fue un éxito instantáneo, lo que le valió a su serie el premio de la revista Industrial Design a las "Mejores lámparas del año", y el Departamento de Comercio de Estados Unidos exhibió la colección Stemlite en la Unión Soviética, Yugoslavia e Irak como ejemplos perfectos del diseño estadounidense. Tras ganar más de 50 premios nacionales de diseño, en 1969 Curry fue descrito como uno de los principales diseñadores de California, pocos años antes de su muerte a la temprana edad de 43 años. Su legado de diseño perdura hoy como uno de los verdaderos pioneros del diseño espacial estadounidense.
Además de su icónica serie Stemlite, Curry también consiguió diseñar la exquisita Lámpara de mesa portátil Obello poco antes de su muerte, lo que significa que nunca llegó a verla en producción ni a ponerle nombre. Obello se inspira en la Era Atómica, la Carrera Espacial y la cultura pop que definió Los Ángeles en los años setenta, que evolucionaron en la forma visual de la lámpara. Esta lámpara Obello es un diseño icónico de la era espacial que sirve como una pieza fuerte de la declaración tanto dentro como fuera de la casa, así como una fuente de iluminación funcional.
)
Bonderup & Thorup
En 1969, los arquitectos Claus Bonderup y Torsten Thorup se graduaron en las Escuelas de Arquitectura de la Real Academia Danesa de Bellas Artes y empezaron a trabajar para el arquitecto danés Henning Larsen en Copenhague. A partir de ahí, los dos arquitectos iniciaron una colaboración que abarcó la mayor parte de sus carreras y dio lugar a una serie de diseños excepcionales.
Las obras de Thorup y Bonderup se caracterizan por su sencillez honesta y clásica, con una gran atención al detalle y a la calidad, lo que resulta especialmente evidente en el Semi colgante de 1968. Pero no fue hasta los años 80 cuando el entonces superventas danés alcanzó el reconocimiento mundial y un estatus icónico, convirtiéndose en uno de los favoritos de muchos interiores diferentes en todo el mundo.
El colgante Semi es un diseño clásico y único con una distintiva pantalla curvada de metal esmaltado que proporciona una luz difusa, agradable y cónica, por lo que resulta ideal encima de la mesa del comedor o en la cocina. Gracias a la ligereza de su forma, a su diseño único y atemporal y a los diferentes colores y tamaños en los que está disponible, el colgante Semi es un diseño muy versátil que encaja perfectamente en todo tipo de ambientes, tanto en espacios privados como públicos.
)
Corsini & Millet
Barba Corsini fue un destacado arquitecto funcionalista que ganó varios premios internacionales por sus diseños para el edificio de La Pedrera de Barcelona. Corsini se inspiró mucho en el arquitecto alemán Mies van der Rohe y en el estadounidense Frank Lloyd Wright. El estilo de diseño personal del arquitecto español puede describirse acertadamente como "poderosa simplicidad", que también estaba claramente representada en su colección Pedrera.
El talentoso arquitecto Joaquim Ruiz Millet fundó la Galería H20 de Barcelona en 1989, donde ejerció de propietario, agitador cultural, comisario de exposiciones y editor de libros y objetos de diseño. En 1991, con motivo de la restauración de La Pedrera, descubrió la belleza de la maravillosa lámpara de pie PD2, que impidió que se tirara. Ruiz Millet quería salvar las obras de Corsini y hacerlas más conocidas y accesibles al público. Así comenzó su colaboración con Corsini en el relanzamiento de los diseños originales que había creado para La Pedrera en su día.
)
Gabriella Crespi
La diseñadora y artista italiana Gabriella Crepsi habría cumplido 100 años en 2022, y GUBI lo celebra poniendo en producción la colección Bohemian 72 50 años después de su presentación. A lo largo de su extraordinaria carrera en el mundo del diseño, supo alternar sin esfuerzo entre la realeza de Europa y la jet set de Hollywood, donde su innegable glamour y sofisticación la convirtieron en musa del diseñador Valentino y atrajeron a su círculo social a Audrey Hepburn, Gianni Versace y Hubert de Givenchy. La estética de Crespi se caracterizaba por la dualidad entre la funcionalidad modernista y el barroco y el cambio entre líneas limpias y curvas sensuales.
Bohemian 72 es una colección de ratán elegante, flexible y refinada que refleja la fascinación de Crespi por las formas escultóricas y su curiosidad por las culturas orientales. Durante su vida, estas piezas exclusivas sólo se producían para clientes privados, pero hoy, 50 años después de su primera presentación, GUBI ha trabajado a partir de sus dibujos originales y ha dado vida por primera vez a esta excepcional colección. La colección incluye un sillón, un sofá de tres plazas, un taburete y una lámpara de pie - y puedes encontrar esta lámpara de pie única aquí.
)
Louis Weisdorf
Entre los arquitectos y diseñadores industriales daneses más influyentes y conocidos, Louis Weisdorf es uno de ellos. Weisdorf se describía a sí mismo como un especialista en versatilidad, lo que resume acertadamente su fenomenal y notable carrera, que incluyó una colaboración con los Jardines Tivoli de Copenhague, un exitoso estudio de arquitectura y una serie de diseños excepcionales, entre ellos Multi-Lite y los colgantes Turbo, y hoy varios de sus diseños son mundialmente conocidos y muy codiciados como objetos de coleccionista.
)
Robert Dudley Best
Además de ser el heredero del mayor fabricante de iluminación del mundo, Best & Lloyd, Robert Dudley Best era también un ávido entusiasta del diseño, con un gran interés por romper las barreras entre los beneficios industriales y artísticos, un interés que también compartía su amigo Walter Gropius. Walter Gropius fue también el fundador del movimiento Bauhaus, que arrasó en Europa con sus líneas estrictas y limpias y su estilo, en el que Dudley Best estuvo muy influido. Fue también durante este periodo cuando se realizaron los primeros dibujos del icónico diseño Bestlite.
)
Space Copenhagen
Signe Bindslev Henriksen y Peter Brundgaard Rützou fundaron en 2005 el estudio de diseño Space Copenhagen, que crea muebles, lámparas, objetos refinados e instalaciones artísticas, así como arte decorativo para viviendas particulares, hoteles y restaurantes de todo el mundo. La ambición del dúo de diseñadores es crear nuevas formas de equilibrar los opuestos y crear contrastes, incluyendo lo clásico con lo moderno, lo industrial con lo orgánico, lo escultural con lo minimalista y la luz con la sombra.
)
Gio Ponti
El arquitecto, diseñador y editor italiano Gio Ponti está reconocido como uno de los visionarios más influyentes del siglo XX. A lo largo de su carrera, Ponti diseñó una gran variedad de muebles y productos, desde armarios, lámparas y sillas hasta cerámicas, objetos de cristal y espejos. También levantó edificios como el emblemático rascacielos Torre Pirelli de Milán y el Museo de Arte de Denver, construido en 14 países. A través de su propia revista de diseño, Domus, fomentó la curiosidad y la apertura hacia el diseño innovador.
Los diseños de Ponti estaban muy influidos por el lema "la dolce vita", que permitía a la gente rodearse de buen diseño para disfrutar mejor de la vida al máximo. Este vibrante estilo de vida italiano se refleja claramente en su cartera, que sigue inspirando a artistas y diseñadores en el futuro. Hoy en día, muchos de sus diseños son adquiridos por coleccionistas expertos que desean añadir a sus interiores un toque de estética italiana y elegancia sin esfuerzo.
Entre su exquisita gama se encuentran los espejos F. A. 33, diseñados originalmente en 1933 para el fabricante de lámparas, vidrio y espejos más destacado de la época, FontanaArte, que Ponti y Pietro Chiesa habían fundado unos años antes. F. A. El espejo 33 tiene una forma ligeramente curvada y un aspecto icónico y atemporal que añade un toque fino y elegante a cualquier estilo de interior.
)
Jacques Adnet
El arquitecto francés y modernista Art Déco Jacques Adnet fue un icono del modernismo francés. En 1925, fue reconocido como uno de los jóvenes diseñadores más prometedores por el Salon d'Automne y Les Expositions des Arts Decoratifs, y en la actualidad sigue siendo uno de los diseñadores franceses más honrados, cuya obra perdurable e innovadora sigue siendo muy solicitada. A lo largo de su carrera, Adnet fue siempre uno de los primeros artistas en expresar las nuevas tendencias, donde también fue uno de los primeros diseñadores en combinar cuero y cristal en la estructura y decoración de un mueble, como también ocurre con sus espejos Adnet.
En 1950, Jacques Adnet se asoció con una famosa casa de moda francesa, para la que desarrolló una línea de muebles y accesorios para el hogar revestidos de cuero, discreta pero notable. Diseñó un elegante y distintivo espejo redondo de piel con exquisitos detalles que lo hacen especialmente llamativo y decorativo en el interior. Además de los exclusivos detalles de cuero y latón pulido, el espejo Adnet también está disponible en diferentes tamaños y en formas cuadradas y circulares, cada una de las cuales añade un toque escultórico y atemporal al recibidor, el dormitorio o el cuarto de baño, donde resultan muy decorativos.
)
Mathieu Matégot
Mathieu Matégot fue un diseñador, arquitecto y artista húngaro versátil, independiente y autodidacta que pasó la mayor parte de su vida en París, donde se instaló en 1931 tras graduarse en la Escuela de Arte y Arquitectura de Budapest. En 1939 se alistó voluntario en el ejército francés, tras lo cual fue hecho prisionero en Alemania hasta que escapó en 1944. Su cautiverio durante la guerra fue un momento importante en la carrera de Matégot, ya que fue aquí donde se familiarizó con el innovador material y la técnica que denominó Rigitulle, que más tarde se convertiría en el rasgo más característico de su obra.
Es por esta técnica y material pioneros por lo que es más conocido, que más tarde patentó para añadir a todos sus diseños. Siempre produjo una cantidad limitada de productos, sólo hasta 400, lo que continuó hasta la década de 1960, cuando Matégot interrumpió repentinamente la producción y comenzó a trabajar con tapices, lo que siguió haciendo durante el resto de su carrera. Al igual que los textiles, Rigitulle también podía doblarse, plegarse y moldearse para dar a los muebles que diseñaba transparencia, ingravidez y una modernidad perdurable.
)
Paavo Tynell
"El hombre que iluminó Finlandia": así llamaban cariñosamente al pionero diseñador de iluminación finlandés Pavvo Tynell. Tynell fue uno de los fundadores de Taito Oy, donde se convirtió en el primer fabricante industrial de luminarias de Finlandia. Tynell se convirtió en un diseñador más prominente en las décadas de 1930 y 1940, colaborando con algunos de los arquitectos finlandeses más reconocidos y famosos, entre los que destaca Alvar Aalto. La empresa de Tynell, Taito Oy, fabricó luminarias para los grandes proyectos de Alvar Aalto, como el Sanatorio de Paimio y la Biblioteca de Viipuri.
Tynell fue especialmente galardonado por su trabajo en el estudio de diseño "la Casa de Finlandia", en Nueva York, que exhibió el impresionante trabajo de diseñadores y artesanos finlandeses. Sus elegantes diseños de latón se convirtieron en un éxito instantáneo en Norteamérica y comenzó a crear diseños de iluminación para la prestigiosa empresa estadounidense Lightolier. Tynell era un maestro artesano excepcional, que creaba sus diseños a partir de una estética tradicional con una sensibilidad moderna combinada con un amplio uso del latón perforado y pulido como material principal.
)
Greta M. Grossmann
Greta M. Grossmann, icono del diseño sueco, consiguió mantener una larga carrera de 40 años tanto en Europa como en Norteamérica, donde fue muy activa e influyente en el mundo del diseño, dominado por los hombres. Tuvo muchos logros impresionantes, todos ellos relacionados con el diseño industrial, el interiorismo y la arquitectura. En 1933 completó sus estudios en la renombrada institución artística de Estocolmo, Konstfack, tras lo cual emigró a Los Ángeles con su marido, Billy Grossman. Aquí abrió una tienda muy publicitada en Rodeo Drive, donde fue una de las primeras en llevar la moderna estética escandinava al sur de California. Su enfoque único del modernismo sueco tuvo un éxito inmediato en Los Ángeles, y no tardó en acumular una clientela de famosos.
Entre todos sus logros en diseño y arquitectura, es más conocida por sus diseños industriales, entre los que destacan la lámpara de pie Gräshoppa y la lámpara de mesa Cobra.